Uma Abelha Na Chuva (1953)

Vi o filme na adolescência, a adaptação de 1971 de Fernando Lopes, e não gostei. Ficou-me marcado o estilo nada natural, o ritmo lento e entrecortado, combinado com um título que sempre me pareceu ingénuo, pelo simbólico e fragilidade do inseto, incapaz de gerar interesse. Por isso tive sempre relutância em pegar no texto original de Carlos de Oliveira. Admito que foi um erro, o texto é superior, ou talvez o facto de hoje ter mais do dobro da idade me faça sentir tudo tão diferentemente.

Carlos de Oliveira nasceu no Brasil, mas foi na região portuguesa da Gândara que cresceu e de onde retirou a geografia que serve de cenário a “Uma Abelha Na Chuva”. Esta região situada no litoral — entre o Mondego e a Ria de Aveiro — conheço-a muito bem por também aí ter vivido uma parte da minha infância, mas por isso mesmo posso dizer que não apresenta particularidade — na generalidade plana e arenosa, dotada de pequenas lagoas e muitos pinhais. Aqui nada parece acontecer nunca, mas de certo modo é dessa espécie de marasmo brumoso que Oliveira se socorre para encorpar o universo da sua história, e daí que refletindo, hoje, sobre a adaptação de Fernando Lopes me pareça afinal muito condigna, assumindo eu a minha incapacidade para enquanto jovem a poder compreender.

Os pinhais da Gândara

A história dá conta de um conjunto de personagens que ocupam diferentes estratos sociais do Portugal dos anos 1950, das suas relações, ambições e decadências. Mas os personagens, tal como a geografia, parecem não ter muito para dizer, para se importar, ou agir, como se se deixassem levar pelas forças que os trespassam, sejam as leis, regras sociais, ou condições geográficas e climatéricas. Inevitável  a colagem a “Satantango” (1994) de Bela Tarr, o seu mundo mecânico sem força interior, mágico nebuloso, de certo modo castrado pelas condições políticas de uma Hungria comunista, o que não deixa de apresentar semelhanças com um Portugal sob o jugo ditatorial.

"Satantango" (1994) de Bela Tarr 

A crítica e análise do texto, tão prolífica no mundo académico a ponto de tornar o texto obrigatório na escola nacional, centra-se muito sobre a componente ativista do neo-realismo português, dando grande destaque para o simbólico que percorre o texto, desde logo o título e as classes sociais, no modo como destaca a falta de organicidade da sociedade de então. Se me interessou, o que verdadeiramente me espantou, o que me agarrou, e deixou fixado em Carlos de Oliveira foi a estilística. Oliveira era um mestre da palavra, leiam-se os seguintes excertos:

“Arrastava-se a viagem. A morrinha parara mas havia mais frio. Traçou o xaile de lã sobre a garganta, sempre aquilo, colhia-a um golpe de humidade e a voz, rouca de natureza, tornava-se inaudível. Só o calor lhe permitiria falar outra vez desafogadamente. Passou de memória a sala do Montouro, com pinhas acesas e desfeitas no tijolo do lar, as conversas vagarosas, o grande candeeiro de petróleo com as senhoras debruçadas sobre as malhas, e ela que em geral se azedava no pasmo daquelas noites desejava-o agora de todo o coração, quem me dera estendida na cadeira de verga, ao brando crepitar do lume.”

“Sentou-se num desses marcos de pedra tosca que dividem as propriedades; tentava serenar, sair da sua confusão; e olhando aqueles sítios conhecidos agasalhou-se na memória das manhãs infantis passadas por ali: as galinhas mansas e ensonadas a desenterrar as minhocas da humidade do pátio; a voz pastosa de João Dias, o velho caseiro, a gritar ao gado; o cavalo novo, comprado em S. Caetano, empinava-se a meio do terreiro e relinchava atirando pelas narinas o fumo da respiração selvagem; as aves madrugavam nas ramagens da nogueira imensa; ele, empoleirado na alpendrada de madeira e zinco, dava conta do catarro do velho Silvestre, dos seus primeiros passos no quarto, estendia a vista pelos currais, pelas culturas encharcadas de orvalho; o sino espargia sobre a gândara o som antigo do amanhecer e nas casas nascia o lume que a dejua;”

“Levou o resto da manhã às voltas com a ideia e tanto lhe mexeu que a deixou a sangrar: o sangue farto das feridas recentes. Espantava o sono com goladas duma garrafa de aguardente que escondia no cofre. Pouco a pouco, ressuscitava nele o homem implacável que a intensa amargura dalguns dias arrancava ao desespero a que descia, como se o vento desse na poeira da sua consciência desmoronada e as pedras limpas se reerguessem umas sobre as outras. Nesses acessos tornava-se rígido, cruel.”

Muito expressivo e ao mesmo tempo, impressivo. O texto que parece simples, carrega consigo uma quantidade de imagens a que só acedemos na plenitude após várias releituras. Como se as palavras dessem conta de uma realidade imediatamente perceptível mas formassem camadas de sentido que se vão construindo na soma de palavras em frases e por sua vez na soma de sentidos. Para isto contribui o ritmo e o encadeamento das frases que contribuem para uma prosa particularmente poética.

Ingrid Bergman em "Stromboli" (1950) de Roberto Rossellini

Se no final da leitura me dava conta da imensa beleza do texto por contraste à pequenez da história contada, à medida que o tempo pós-leitura foi passando fui sentindo cada vez mais o mundo de Oliveira, e percebendo melhor o que ele pretendia. Oliveira não queria contar uma história, queria criar uma experiência, a sua Gândara é o “Stromboli” (1950) de Rosselini, e se ambas estas figuras foram rotuladas de neo-realistas, eu não consigo deixar de as sentir como impressionistas.

A rejeição da diferença, com Amos Oz

Ler um livro, “Uma História de Amor e Trevas” (2004), em que o evento principal relata a criação do estado de Israel em 1948, estando de férias na região de Andaluzia, Espanha, pode parecer não ter qualquer relação, no entanto os dois elementos acabaram por servir a intensificação em mim da compreensão do sentimento humano de "rejeição da diferença".

A designação da região espanhola provém do termo árabe Al-Andalus atribuído em 711 aquando da entrada dos muçulmanos na península. A região conheceu uma prosperidade até aí inexistente, já que anteriormente tinha conhecido apenas povos pouco organizados. Os muçulmanos souberam viver aqui e construir um império em conjunto com todas as outras religiões, nomeadamente os judeus que tinham vindo para a Península Ibérica, a partir do ano 70 d.c. Em 1492 os Reis Católicos terminariam o domínio muçulmano e dariam início à conversão forçada de muçulmanos, assim como dos judeus. Esta conversão consistia num verdadeiramente policiamento de costumes e práticas diárias, e a sua não obediência implicava multas, prisão ou tortura. Em Portugal aconteceria o mesmo.

Concluindo pela impossibilidade da conversão iniciou-se a expulsão, muitos muçulmanos foram enviados para o norte de África, tendo uma parte dos judeus partido para o norte da Europa. A cultura criada pelos muçulmanos em conjunto com todos os povos aí residentes, durante 8 séculos, foi de tal modo expressiva que ainda hoje, passados 5 séculos sobre a sua expulsão, não apenas está presente, como é o principal motor da sua maior indústria: o turismo.

Dito isto, não só podemos estabelecer uma ligação entre Israel e a Andaluzia, como temos de o fazer. Ler sobre o surgimento deste estado em pleno século XX obriga-nos a uma reflexão sobre os últimos 2000 anos da história da Europa. Foi um imperador de Roma, Adriano, que no ano 63 d.c. destruiu a Judeia e renomeou o território como Palestina. Daí que ter em 1948 a instituição que congrega representantes de todo o planeta, a ONU, a votar democraticamente e positivamente o reconhecimento do Estado de Israel é algo quase tão importante, historicamente, como o primeiro passo do homem na Lua.

Em “Uma História de Amor e Trevas” Amos Oz fala da sua herança genética, apresentando quatro gerações que geograficamente atravessam os territórios da Rússia a Israel. Enquanto lia sobre os seus antepassados residentes no norte europeu, nunca consegui deixar de pensar que muitos desses carregariam consigo herança portuguesa. Aliás, fiquei a saber que um dos principais códigos judeus, “Shulchan Aruch”, foi criado por José Caro, um judeu português expulso em 1497. Mas fiquei saber muito mais, que por exemplo a subida ao poder de Hitler em 1933 foi bem recebida pela comunidade judaica espalhada por essa Europa do norte, pela simples razão de que era já muito mal tratada por todos, não podendo sequer aceder às universidades de muitos desses países em plena década de 1920. Hitler vinha impor a ordem, acabar com os abusos.

Depois percebi também algo que sempre me tinha feito alguma confusão em todo o historiar da destruição dos judeus pelas forças nazis: porque os judeus nunca retaliaram! A razão, deduzida pelo que fui lendo e agora para mim claramente plasmada nas palavras de Oz, teve que ver com uma educação de sobrevivência desenvolvida pelo próprio povo judeu ao longo de séculos de maus-tratos e que assentou na humildade. Os judeus primaram sempre por uma educação forte baseada no crescimento pelo conhecimento, mas sem permissão de exibição ou vaidade, mantendo perfis pouco visíveis, para não levantar ondas. Se por um lado Nietzsche teve razão ao dizer que aqueles que se fazem de humildes tendem a continuar a ser pisados, aliás muito provavelmente aqui vieram beber os ideólogos de Hitler, a verdade é que os Judeus nunca foram esmagados. Os judeus, por via da sua humildade quase foram erradicados por Hitler, mas olhando ao outro lado do prisma, não deixaram de ocupar lugares da maior relevância científica, artística e cultural por todos os países por onde passaram. Se dúvidas houvesse, deixo apenas alguns nomes: Einstein, Freud, Marx, Proust, Pessoa, Kafka, Spinoza, Spielberg, Stan Lee, e já agora Jesus de Nazaré.

O que verificamos, século após século, milénio após milénio, é que o facto de sermos animais gregários não é condição suficiente para vivermos em comunidade. Que esta condição de pertença a um grupo cria por inerência o seu contrário, a não pertença a outro grupo. Se sou dos vermelhos não sou dos verdes. Conclusão, ao mínimo sinal de crise ou conflito, aproximo-me dos vermelhos e distancio-me dos verdes, e o sentimento de gregariedade, sendo profundamente reptiliano, faz emergir em mim o melhor, proteger os meus a qualquer custo, e o pior, tudo para os meus e nada para os outros. Daqui emerge o racismo, a xenofobia, e todas as imensas formas de discriminação.

Nada disto que digo é novo, porque está conosco desde sempre, vem inscrito em nós. Por isso criámos sistemas de justiça, para evitar a justiça conduzida pelo sentimento. Por isso nos anos mais recentes separámos a justiça da política e a política da religião, para impedir o controlo de uns pelos outros baseados em desvios da racionalidade por via do sentimento, e assim obrigar à igualdade de tratamento. É verdade que se perdem dimensões humanas, mas o que se perde é bem menor do que aquilo que se ganha, e basta ver aquilo que acontece nos territórios em que estas separações ainda não aconteceram.

Ainda que por outras palavras, “Uma História de Amor e Trevas” fala de tudo isto e coloca no centro um paradoxo, aparentemente irresolúvel. Amos Oz escreveu um romance autobiográfico no qual procura: dar conta do nascimento de Israel ao fim de 2000 anos; enquanto dá conta da desistência da sua mãe da vida. Mas nada, em termos simbólicos pode ser irresolúvel, a tudo podemos significar, e cada um de nós lerá aqui o que melhor entender. Para mim, Oz procura dar conta da essência do que somos, e que não somos feitos nem de diferenças nem de estados, mas somos antes sujeitos que buscam encontrar-se, e isso só acontece a partir de dentro de cada um de nós, a partir dessa vontade de nos conhecermos a nós mesmos. E assim posso responder a uma outra questão com que me tenho interrogado desde há muito: como conseguiram os judeus sobreviver a mais de 5 mil anos de perseguições, sem nunca perderem o norte dos seus ideais e valores.


Para fechar, e sobre a prosa de Amos Oz, tenho de dizer que a escrita é boa mas não entrou para o meu rol de preferidas. Que a estrutura definida para relatar os eventos não sendo má, não é suficientemente engajadora, principalmente durante a primeira metade do livro. O livro só se torna compulsivo no último terço, quando já temos o grande cenário todo elaborado na nossa cabeça. Por comparação, o relatar de Mann das gerações de Buddenbrook, também bastante autobiográficas, é muito mais conseguida, também por ser suportada por uma escrita sumptuosa, apesar das gerações de famílias de Mann não terem um ínfimo da relevância histórica das gerações de famílias de Oz.

La casa de Bernarda Alba (1936)

Federico García Lorca foi assassinado no início da guerra civil espanhola, em 1936, que viria a colocar no poder o ditador Franco. Fuzilado por razões estritamente políticas mas insuficientemente justificáveis — era maçon, socialista e homossexual —  o seu corpo nunca seria encontrado, criando toda uma aura de mistério que decorre até hoje. Lorca tinha apenas 38 anos mas fazia já parte da galeria de artistas espanhóis de reconhecido valor do início do século XX, nomeadamente pela sua poesia, daí que a sua morte poucos dias apenas após terminada a escrita de “La casa de Bernarda Alba” tenha servido para ampliar o seu reconhecimento e o deste texto em particular.

“La casa de Bernarda Alba” não fala de Lorca, nem lhe serviu de manifesto político, ainda que adquira um tom panfletário contra o conservadorismo da Espanha rural e profunda, pondo a nu a posição da mulher na sociedade, nomeadamente o cinto de regras que a condicionava e domesticava, e que colocava as aparências acima do sentimento. A história contada é bastante simples e curta, e em parte adaptada de um caso real conhecido de Lorca: uma mãe viúva controla cinco filhas em idades casadouras, impondo o celibato e a hierarquia familiar com mão de ferro. É uma história que traz pouco de novo à paisagem narrativa do século XXI, onde histórias destas pululam por todo o lado. No entanto, se lida dentro do contexto histórico próprio ganha todo um conjunto de outras dimensões que dão força ao texto, ainda assim se o texto merece continuar a ser lido, é menos pela sua história e mais pelo seu estilo.

A primeira impressão do texto surge ao fim de poucas páginas e é bastante forte, com as personagens a edificarem-se do papel e a criarem a sensação de que quase lhes conseguimos tocar. Isto acontece pela força dos diálogos e do ritmo, que são absolutamente perfeitos. À medida que vamos lendo, vamos compreendendo e sentindo as diferentes personagens pelo simples modo como falam, por outro lado o ritmo imprimido pela troca de falas, muito curtas, entre as personagens é de tal ordem que nos transporta para o interior da cena, fazendo esquecer que de uma cena se trata. Lorca parece não dar conta do espaço nem do visual, contudo basta-lhe o que cada personagem diz para nos fazer ver os lugares, os costumes, os gestos e os trejeitos. É drama puro, é a capacidade de encenar realidade e dá-la a sentir encarnando-a nos agentes de cena.

"Mujer 1: Los pobres sienten también sus penas.
Bernarda: Pero las olvidan delante de un plato de garbanzos.
Muchacha 1: (Con timidez) Comer es necesario para vivir.
Bernarda: A tu edad no se habla delante de las personas mayores.
Mujer 1: Niña, cállate.
Bernarda: No he dejado que nadie me dé lecciones. Sentarse. (Se sientan. Pausa)
(Fuerte) Magdalena, no llores. Si quieres llorar te metes debajo de la cama. ¿Me has
oído?"

Todo o texto é uma tensão contínua e progressiva, seguindo as melhores lógicas da tragédia grega na busca por uma catarse plena, com a particularidade estilística de se conseguir pela vivacidade, fluidez e naturalismo dos diálogos. A crítica fala de uma "poetización del lenguaje cotidiano”, e isso pode ver-se no modo como sentimos emergir do texto o intelectual e o popular num conflito constante. É impossível ficar indiferente à sua leitura que recomendo em espanhol para poder sentir o drama mais de perto, ainda que claramente eu precise de o experimentar um dia num palco.

A Noiva do Tradutor (2015)

A escrita é bastante particular, elaborada mas acessível, dotada de uma pontuação intensiva, com ênfase na vírgula, que pauta o ritmo das frases e conduz o sentir da experiência de leitura, aproximando-a do tempo da ação. São 48 horas em 100 páginas, durante as quais pouco acontece ainda que pareça muito pela velocidade imprimida no modo como o pensar do protagonista vai brotando dessas páginas.

Não falo de género, não é um thriller, mas é antes o estilo adotado pelo autor que lhe permite desta forma criar um acesso ao interior do personagem, levando-nos no sequenciamento do idear, mas numa forma distinta do tradicional “fluxo de consciência”, no sentido em que as palavras não parecem brotar diretamente do não-consciente, do eu automático, mas antes do limiar do consciente, uma espécie de sinais pré-verbais.

De algum modo, este Tradutor atira-nos para os interiores de Gregor Samsa (Kafka) ou Rodion Raskólnikov (Dostoiévski), até porque a estes não é também alheio a visão mais negra do mundo em que vivem. O nosso Tradutor fica sem a Noiva e na busca por a ter de volta e tudo fazer para lhe agradar, entra por uma espécie de universo fantástico adentro, uma espécie de realidade alternativa de um passado europeu de há 100 anos, no qual o real se exagera e a sensibilidade se amplia, permitindo ao autor criar momentos de grande comicidade e simultaneamente questionamento existencialista.

"A velha aproxima-se, eu debruço-me sobre o corrimão, estou curvado no segundo degrau, molho o tapete, todo o meu corpo escorre água, tirito de frio, não consigo evitá-lo, é mais forte do que eu, terei de consultar um especialista sobre estes fenómenos, terá de existir uma explicação, a gorda viúva estica o pescoço, aproximo o meu rosto, sinto-lhe o hálito dos pesados assados de domingo, ainda não os digeriu, a noite não foi suficiente, ela aguarda ansiosamente, eu grito-lhe ao ouvido."

Gostei muito de ler João Reis, por tudo o que disse acima, mas também e apesar de não ser grande apreciador de comédia literária, pelo modo subtil, em que tudo se vai apresentando tão natural, mas simultaneamente ríspido, com os modos cruéis com que se vão desqualificando os vários personagens, criando assim uma teia negra mas cómica que tece o mundo do livro. Na tradição deste tipo de obras não é expectável fechamentos significativos, interessa mais o processo, mas neste caso posso dizer que me surpreendeu, a cena final preencheu-me, insuflou-me o sentir.

A Curva do Rio (1979)

É verdade que o tema é a descolonização, o antes e o pós, impactos e efeitos, mas é mais do que isso, é um questionamento sobre aquilo que nos motiva a fixar objetivos, a acreditar em destinos, a procurar mais e melhor. É visto a partir da perspectiva africana, ainda que por um indiano que ali nasceu, servindo o romance para dar conta do seu coming-of-age.

A escrita de Naipaul é boa mas não surpreende, pelo menos na tradução, já o tom imposto ao discurso esse sim é bastante particular, muito conseguido e coerente ao longo de todo o romance. Não é fácil definir esse tom, diria que é uma espécie de melancolia ausente, no sentido em que as emoções apontam para tristeza e desaire, mas ao mesmo tempo abnegação, permitindo que a atmosfera do livro se eleve, deixe respirar, sem condicionar o sentimento, e sem nunca permitir o definhamento completo da esperança. Como que sabendo que não valendo a pena, vai-se ainda assim fazendo o esforço, ainda que reduzido esse esforço, mas fazendo-o, como que para se manter à tona a respirar na espera por melhores dias. Tenho a sensação que se não tivesse passado por África já algumas vezes, teria dificuldade em conseguir compreender este tom, a mesma dificuldade que senti quando pela primeira vez tentei ver o filme "Terra Sonâmbula", adaptado do livro homónimo de Mia Couto, e que depois dessa experiência vi com outros olhos.

Naipaul consegue recriar a atmosfera africana no fio das páginas, o languido fundido com a tristeza, mesclada com a vontade de continuar a lutar ainda que devagar. É verdade que Naipaul não mede as palavras, é muito direto, roça o racismo, e há mesmo quem não lhe perdoe, mas nada do que é dito pode ser retirado de contexto e colocado na boca do autor. Escrever de modo politicamente correto seria bom para os críticos europeus, mas nunca conseguiria chegar ao âmago, e dar-nos a sentir o que verdadeiramente se sente no interior daquele continente. Aliás o que mais me impressionou na leitura foi exatamente ler a África pelos olhos de um não europeu e de um não-africano, existe uma espécie de imparcialidade que se cola aos personagens de Naipaul que nos permitem ver o que até aqui não tínhamos visto noutras obras com a África em pano de fundo.

“Quando se deu a independência, o povo da nossa região enlouqueceu de raiva e de medo – toda a raiva acumulada durante o período colonial, todos os medos tribais que entretanto tinham estado adormecidos. A gente da nossa região tinha sido muito maltratada, e não apenas pelos europeus e árabes, mas também por outros africanos; e quando veio a independência, recusaram-se a obedecer ao novo Governo instalado na capital."

Houve um momento em que quase fechei o livro, quando o protagonista desata a bater na amante, algo que se cola a algumas histórias que entretanto circularam a propósito do próprio Naipaul. A julgar pela descrição realizada, acredito que o autor o tenha feito nesse seu passado, mas não podemos, mais uma vez, descontextualizar as ações. Não posso de forma alguma defender o autor, mas não posso esquecer o que é viver numa sociedade que aprova e incentiva esses comportamentos.

Inevitavelmente o rio de Naipaul faz-nos recordar as trevas de Conrad, ainda que num tom distinto como já referi acima, e por isso difícil de aproximar. Naipaul sendo melancólico nunca permite a total negrura, não tem soluções, mas nunca fecha a porta, acredita claramente no ciclo da vida, sente-se ao longo de todo o livro, pela boca dos seus personagens, uma crença no princípio budista de que “Tudo é Impermanente!”.

Da narrativa em Tetris

O videojogo "Tetris" (1984) é um dos jogos mais relevantes do meio, não só pelo seu apelo enquanto jogo, mas por tudo aquilo que nos obriga a questionar sobre o objeto dos videojogos. Devem os videojogos apelar às nossas competências de raciocínio lógico tal como acontecia nos chamados jogos tradicionais, ou devem os videojogos abraçar outras áreas, nomeadamente trabalhar competências narrativas e empáticas?

Do meu ponto de vista, o Tetris dá uma resposta cabal à primeira parte, estimula e recompensa muito bem o investimento em raciocínio lógico em memória visual e atenção, e fá-lo sem nunca se preocupar com qualquer camada narrativa. Existem colegas que para defender a necessidade narrativa dos videojogos, abordam o videojogo pelo lado da experiência, e como esta acaba por estimular nos jogadores narrativização dos processos realizados em jogo. Não concordo com esta abordagem, pela simples razão de que o modo como fazemos sentido do mundo é pela narrativa, tudo é narrativizado na nossa consciência, mas isso não pode ser utilizado para atribuir características aos artefactos que eles não possuem. Neste caso o Tetris é um dos melhores exemplos dos videojogos, diria quase exemplar, de como um videojogo pode representar tudo o que meio é, sem qualquer recurso à narrativa. Com isto não estou, de forma alguma, a defender que os videojogos não precisam, nem são feitos de narrativa. O que interessa aqui é compreendermos o espectro do meio dos videojogos, compreender que um videojogo se pode situar num polo de um eixo que vai do puro Jogo, aqui como exemplo o "Tetris", até à outra extremidade desse eixo, num polo feito só de Narrativa, com o exemplo "Heavy Rain" (2010).

Para demonstrar isto mesmo, e esta foi a razão porque escrevi este post, deixo aqui um pequeno filme de animação que usa o Tetris como pano de fundo, e que este sim narrativiza o mundo de "Tetris". Do mundo de "Tetris" emergem personagens, emergem cenários, emergem conflitos, e temos uma história para contar. Claro que se trago aqui o filme não é apenas por narrativizar uma obra conhecida dos videojogos, muitos outros filmes existem, o interesse deste reside no facto de ter conseguido trazer para o centro do conflito narrativo a essência da jogabilidade de "Tetris".

“Ménage à Tetris” (2017) de Emile Rademeyer

O filme foi criado pela empresa Vandal para a agência BMF com o objetivo de ser apresentado no TEDxSYDNEY 2017.

“Here”, uma obra-prima

Referência absoluta da arte de novela gráfica. "Here" (2014) é um livro que quebra não só com todas as convenções do meio, como com todas as convenções narrativas, e por isso naturalmente não consegue o impacto das grandes histórias já contadas por este meio, mas consegue a atenção total daqueles que se interessam por compreender o potencial expressivo do mesmo, particularmente críticos e criadores.

Não consigo deixar de evocar Mark Rothko sempre que me foco na icónica capa de "Here". 

O modelo de contar histórias apresentado por McGuire neste livro começou há 25 anos, quando em 1989 publicou na revista RAW, dirigida por Art Spiegelman e Françoise Mouly, um pequeno experimento de 6 páginas a preto-e-branco no qual se via, ao longo de 36 quadros, sempre um mesmo quarto atravessado pelo tempo, em milhares de anos.

Esta mesma técnica é aqui explorada ao longo de 300 páginas. “Here” encerra o leitor nas três dimensões espaciais, permitindo apenas a 4ª dimensão, do tempo, variar, e assim conduzir o leitor ao longo de uma história que encerra milhões e milhões de anos, tanto em direção ao passado, como ao futuro. O efeito é vertiginoso, se ganhamos uma forte noção da passagem do tempo, do seu impacto no ser humano, nas suas memórias e recordações, ganhamos ainda mais noção da sua relatividade, da nossa efemeridade.

Estando o espaço situado numa pradaria americana, e sendo esta atravessada por centenas de datas, que vão sendo apresentadas quase exclusivamente por imagens, podemos dizer que existe uma componente minimalista que puxa pela interpretação do leitor, instigando-o a dar corpo histórico ao que lhe vai passando pelos olhos, alimentando assim o imaginário narrativo em múltiplas camadas de sentido, nomeadamente permeando tudo com o sabor de diferente épocas facilmente reconhecíveis, tais como: colonialismo anos 1600-1700, romantismo anos 1800, ‘american way of life’ 1940-1950, presente anos 2010, passado pré-histórico 500,000 AC, futuro 2200. McGuire explica que a ideia lhe adveio a partir da morte da sua irmã e pais:

"You see things differently after going through that experience—the idea of impermanence is made more real, and everything seems fragile. The family home had to be sold. Just emptying it took a while. My parents lived there for fifty years, and the house was packed. My mom hated throwing anything away. All the clothes, the photos, the letters and things that had meaning to them. The only thing I took were boxes of photos and some films my dad shot. I think it helped with the grieving process, looking at all that stuff." Em entrevista para a Paris Review 2015

A particularidade ou brilhantismo desta técnica resume-se no facto de ser exclusiva do meio da banda desenhada, já que ao se socorrer da técnica de quadros dentro de quadros para contar a história, ou seja, uma sequencialidade gráfica temporal visual, une e funde o meio, a forma e a história. Em parte, ainda que com objetivos totalmente distintos, fez-me recordar “Zoom” (1995) de Istvan Banyai. Mas nada melhor do que deixar o próprio criador explicar o que torna esta abordagem única:

"The way simultaneousness is presented feels unique to the medium. If you were writing this story out as text, it would be a long string of events and descriptions connected by the word meanwhile. With film, you can use a split screen to show two different events, but if you add more than two it becomes increasingly difficult to keep track of what’s happening without missing something. With comics, that frozen image is easier to take in. The reader can move around within it. 

And that simultaneousness actually feels close to how we think. If you stop and try to examine your thoughts, it’s always a jumble of memories and projections. We are all zooming around in time in our heads. We’re rarely in the present—we’re more often anticipating events, or thinking back to a memory of yesterday or last week or our childhoods, and then suddenly jumping ahead again. 

In the book, the room is presented as a full double-page spread. The corner of the room is in the gutter of the book, so the opened book echoes the architecture of the space and puts the reader into the room. Each spread is marked with a date in the upper left corner. You time travel as you flip pages. Smaller panels with dates show other moments happening in the space at different times. The book may push the traditional formal aspects of the comics medium, but I think people are very used to reading multiple windows on their computers—it’s all clearly presented and understandable. " 
Em entrevista para a Paris Review 2015

Existe uma versão digital interativa, fruto de uma palestra dada por McGuire, na qual estava presente Stephen Betts que se apaixonou pela ideia, e dedicou dois anos ao seu desenvolvimento. Não a pude ainda experimentar, mas a julgar pelas palavras de McGuire, é uma experiência interessante, contudo distinta, já que a abordagem aqui apresentada foi especificamente pensada em virtude de quadros estáticos, sem movimento, som ou interatividade.

Distopias da cultura de videojogos

Filipe Hodas é um artista 3d da República Checa. Com apenas 24 anos e 2 anos de prática diária de Cinema 4D conseguiu ver o seu trabalho reconhecido por vários sites de design gráfico (Design Boom, Hi-frutose, DYT), tendo a sua mais recente série de trabalhos, “Pop Culture Dystopia”, sido partilhada por milhares de fãs no Facebook e Instagram.

Esta série que Hodas delimita como Cultura Pop é constituída por vários trabalhos gerais, existindo uma clara tendência para a cultura de videojogos que escolho aqui dar conta. A série apresenta personagens e objetos dos videojogos re-imaginados em universos alternativos com claros sinais de decadência. A beleza da decadência material é um tema amplamente explorado nos últimos anos, tanto no campo fotográfico, como em filmes de animação 3d ou até de imagem real. Existe algo na visualização dos efeitos da passagem do tempo que nos fascina, seja a possibilidade de ver o tempo concretizado materialmente, seja a quantidade de sentidos que se conseguem extrair dos materiais pela especulação sobre as interações atravessadas e choques culturais, ou ainda o simples deleite com o detalhe visual que surge pelo acrescento de camadas materiais aos objetos originais.

Apesar do tema, Hodas não está verdadeiramente preocupado com a decadência ou crítica cultural, o seu foco, e no fundo a razão porque começou a produzir estes trabalhos, tem mais que ver com o melhorar das suas competências 3d. Neste caso o objetivo são os materiais, as texturas que servem para cobrir as suas esculturas 3d, e mais em concreto a rentabilização da ferramenta Substance Painter para a criação dessas. Daí que nada como um projeto assente no tema do apocalipse em que seja necessário apresentar transformações da realidade visível, nomeadamente em termos de degradação e deterioração, para dar asas à criação de texturas de enorme detalhe e significância.

A lista de ferramentas utilizadas para o desenvolvimento destes trabalhos apresenta, além do Cinema 4d e do Substance Painter: Octane Render, Zbrush, Substance Designer, World Machine e Adobe Photoshop.

A Conspiração Contra a América (2004)

Uma certa desilusão, ainda que não totalmente surpreso. Depois da desilusão de “The Man in the High Castle” (1962) de Philip K. Dick, já não vinha expectante, ou melhor não vinha com gula. Não consigo explicar porque sempre me fascinou esta ideia de História alternativa, mais ainda do imaginar: “e se a Alemanha não tivesse perdido a 2ª Grande Guerra?’. Talvez por ser algo que ninguém quer ousar imaginar, uma espécie de pensamento proibido, faça dessa possibilidade objeto de imaginação mais apetecível. Mas a verdade é que ambos os livros são muito parcos em termos imaginativos, talvez porque a sê-lo teriam de embarcar pelo puro género de horror, o que acabaria por deitar a perder a componente dramática. Fica-me a faltar leitura de “Fatherland” (1993) de Robert Harris, mas a julgar por estes dois e algumas críticas que li, quer-me parecer que já não será para mim.

Tenho de dizer que a obra de Roth não se foca concretamente na história alternativa da Alemanha ganhar a Guerra, mas antes na alternativa dos EUA não participarem na Guerra. Mas logo aí acaba por ficar curta a digressão de Roth, já que o enredo acaba por avançar muito pouco. Em termos cronológicos somos encerrados num período de apenas 2 anos, entre 1940 e 1942. Roth foca-se assim mais sobre a possibilidade de um regime fascista poder tomar conta da “Terra da Liberdade”, transportando alguns dos eventos ocorridos na Europa para os EUA.

O livro tem a particularidade de fundir de forma muito rica o real e o ficcional alternativo, no sentido em que todos os intervenientes políticos são figuras reais da história americana, ao que se junta o facto da personagem principal, responsável por relatar o que está a acontecer, ser o próprio Philip Roth, na sua infância, dos 7 aos 9 anos. Ou seja, temos uma história alternativa impregnada de autenticidade vívida. Roth é judeu, nasceu em 1933 em New Jersey, e aí vivia no período relatado. Por isso a leitura ganha toda uma componente, apesar de paradoxal, autobiográfica, uma vez que Roth recorre às suas memórias reais para nos dar a ver o mundo dessa época pelos olhos de uma criança judia. Porque mesmo distante da Europa, seria inevitável para as crianças nos EUA que ouviam os pais comentar o que se passava na Europa, ver os jornais e as notícias nas salas de cinema, e não sentirem o peso dos eventos, da incerteza e nebulosa do que significavam.

Philip Roth com 9 anos, e a sua família: a mãe Bess, o pai Herman, e o irmão Sandy. New Jersey, 1942

O livro é de 2004 mas ganhou toda uma nova proeminência com a eleição de Trump em 2016. Muito sinceramente não vejo grande relação, ainda que o desenho da personagem e da eleição de Lindbergh se aproxime bastante do ocorrido com Trump, são tempos muito distintos, e na verdade são pessoas também muito distintas. É verdade que dá conta de alguma presciência por parte de Roth, mas mais relevante que isso, dá conta da sua enorme capacidade de observação e análise da sociedade Americana, da compreensão do que a move.

Como se não bastasse, a escrita de Roth é, como sempre, irrepreensível e puro deleite. Não sei como o consegue, nem como trespassa a barreira da tradução, mas ler, palavra atrás de palavra, atrás de frase, é um pouco como seguir o ritmo de um rio de água fresca em pleno verão escaldante, e de vez em quando pousar a mão sobre a frescura da água para sentir o interior de cada personagem.